當代藝術深奧難懂?今年「台北藝博會」中9位藝術家 即將改變你對「當代藝術」的定義! – Accupass Blog

現代藝術對很多人來說是一門遙不可及的領域,但其實現代藝術很簡單,只要把它想成簡單的是非題,看完後在心中寫下「喜歡」或「不喜歡」即可。今年台北國際藝博會即將於10/19開幕,展前小編要為大家介紹幾件有趣又平易近人的作品,如果看完你發現現代藝術很有興趣,別忘了到現場看看,會有更不一樣的感受喔!

首圖:鄭麗雲 «眺望» / 來源:名山藝術

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草間彌生,1929年出生,被稱為日本現存的經典藝術家,出生於日本長野縣松本市,在1957年移居美國紐約市,並開始展露她占有領導地位的前衛藝術創作,現居住在日本東京。她曾與當代其他藝術家如安迪·沃荷、克拉斯·奧爾登堡、賈斯培·瓊斯一起聯展。被美國藝術網站My Morden Met選為「21世紀十大前衛藝術家」,同時入選的日本藝術家還有山下工美與深堀隆介。

約10歲時,由於罹患神經性視聽障礙,導致時常看見幻覺,因而常有自殺企圖,這也是她畫作中常出現圓點的原因。草間彌生的創作被評論家歸類到相當多的藝術派別,包含了女性主義、極簡主義、超現實主義、原生藝術(Art Brut)、普普藝術和抽象表現主義等。但在草間對自己的描述中,她僅是一位「精神病藝術家」(obsessive artist)。從她的作品中可以看到,她企圖呈現的是一種自傳式的、深入心理的、性取向的內容;草間所用的創作手法則有繪畫、軟雕塑、行動藝術與裝置藝術等。

草間彌生《Secret 秘密》綜合媒材 Mixed Media,35x22x10 cm,1986 朝代畫廊 / 圖片來源:藝博會臉書

鄭麗雲,成長於台灣,國立藝專畢業後的鄭麗雲為了追求更開闊的創作觀,赴美求取藝術碩士,並長期定居,她的作品引起美國藝術界的重視,波洛克 – 克拉斯納基金會不僅兩度給予創作獎助,還頒給她榮譽獎章。她的油畫創作避開了過去觀眾較為習慣的堆疊方式,藉由刮除顏料產生的線條作為創作符號,精準的控制色彩漸層與圖面的空間感,形成別具風格的「減法藝術」。

順著這些線條的流動,不難發現每一段線條都是一條線索,引領觀者感受藝術家幽微的思緒。在鄭麗雲的巧手下,線條被重複的編織,逐漸形成畫面的圖樣,化成地、氣、水、火等四種被西方哲學視為構成宇宙的基本元素。她的線條從無到有,幾乎像是有著自己的意志一般,在整個畫面恣意生長,有如道家思想中「道生一,一生二,二生三,三生萬物。」 的哲學思辨;而透過線條的長短、方向、粗細以及色彩變化,不僅讓她的作品顯得豐富可觀,同時也兼容了東西文化的哲學思想,形成特殊的宇宙觀。

鄭麗雲 《深海》油彩畫布,97x130cm,2017 寄暢園 / 圖片來源:藝博會臉書

林昌敏,韓國藝術家,畢業於韓國啟明大學應用美術學系,後於紐約市立大學學習多媒體藝術專業,取得碩士學位並設立工作室。現任教於韓國大邱啟明大學藝術傳媒學院視覺動畫系,主要從事攝影及多媒體創作。林昌敏往往利用多媒體技術來探索歷史、自然、生命等永恆的主題,而作品本身透露出的理性、冷靜,同時又平和、優雅的氣質,是林昌敏作品顯著的特徵。

系列作品《Into a Time Frame》(時間的輪廓)。集合了靜態的攝影畫面與動態的影像。藝術家拍攝建築物內部或外部的照片,鏤空其中窗戶、門等通向外界的部分,並以影像代替。遠看是空間感極強的攝影作品,但稍稍走近,觀眾的注意力會立刻被畫面某處動態的影像所抓住,視線從相框外被拉進相框內,同時又從一個空間被拉往另一個空間。這種焦點的轉移是令人浮想聯翩的。攝影是對時間的定格和切割,而在這其中疊加動態的影像,即將時間的“流動性”強硬地植入,乍看之下似乎營造了一種“真實觀看現場風景”的感受,然而一種強烈的虛幻感也隨之產生。一張被刻意修飾得如繪畫般優美的照片、一段循環播放的影像,顯然都是被模糊了真實和虛構邊界的刻意創作,但雙重疊加之後,產生的則是一種彷彿被抽離到時間之上,空間之外的“臨場感”。

Chang-Min LIM 林昌敏《Into a time frame – Flying to Jeju》Pigment print, LED monitor,72 x 108cm,2017 李裵畵廊 GALLERY LEE&BAE / 圖片來源:藝博會臉書

許家維,1983年生於台灣台中,2010年畢業於國立台灣藝術大學造型藝術研究所。對於亞洲冷戰時期被遺忘的歷史有著濃厚的研究興趣,作品發展出對於探究現實與幻象、歷史與當下間的敏銳知性,並透過建立鏡頭以外的事件,連結正規歷史描述所未及的人與地方的關係。他不斷地嘗試融合當代藝術與電影的語言去發展作品,並關注於如何透過影像創作介入現實,進而生產一種介於敘事世界與現實之間的異質敘事體。同時透過一種批判的態度,透過影像的能力,將場域帶到美術館外任何一個地方,作為影像創作在政治實踐上的可能。

HSU Chia-Wei 許家維《高砂 Takasago》Single-channel video installation 單頻道錄像裝置,9min20sec,2017 尊采藝術中心 / 圖片來源:藝博會臉書

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時永駿,1978年台北出生,2003年於國立台灣藝術大學美術系畢業,主修西方繪畫。畢業後時永駿並没有急於成為藝術家,反而一直遊歷不同的國家。一直到2009年, 時永駿漸漸開始全身投入創作,也很快得到了藝術圈的注意。時永駿常受到日常生活中一些平凡細節的啟發,但他的作品並不是反映真實。他利用生活記憶的片段和想像力在作品中拼貼了一個個看得見的奇異空間,超現實的場景中描繪著本身毫無關連的物件和事件相遇而引發的故事,讓作品產生了有如添布頓電影般的荒誕畫面,帶給觀者一種戲劇感的視覺享受,往往讓觀眾印象深刻。

時永駿《睡前故事》130×130cm,攝影 – 裝置,2017 伊日藝術 / 圖片來源:藝博會臉書

Nick Veasey,1962年出生於倫敦的英國攝影藝術家,在少年時期便對攝影產生興趣,並在三十多歲時成為專業攝影師。他曾從事廣告與設計行業將近十年,專注於傳統的靜態攝影,也是在這段時間,他首次用X光作為攝影媒介。當時Veasey被要求用X光為一個電視節目拍攝一個汽水罐,他藉機用X光拍攝了自己當天穿著的鞋子。他將最終的圖像給一名藝術總監看,對方正面的回饋給了他莫大的鼓勵。他很快地決定進一步探索X光攝影。

多年來,Veasey創作了大量的X光攝影作品,拍攝物件既有泰迪熊、冰淇淋甜筒和花朵等日常生活隨處可見的物品,也包括汽車、滿載乘客的公車甚至原尺寸的波音777噴射客機以及用來停放這架飛機的機庫等大型多元件結構。

Nick VEASEY《Indian Rider》C-type print,84.1 x 59.4 cm,2017 Bluerider ART / 圖片來源:藝博會臉書

Willy Verginer,義大利當代木雕藝術家。觀看其系列作品不難發現不斷湧現他那猶如義大利天生的浪漫情懷與幻想的自由國度。Willy Verginer 作品如一幅幅圖畫故事般,似乎在訴說著某些故事情節,而那些故事情節或許可以由每位觀看者的感受來詮釋似乎會更有趣一些。

Willy Verginer作品材質本身使用菩提樹木,並透過壓克力顏料來作部分著色,作品大多由條紋區段上色,有時也會保有木頭原色做為整體色彩搭配的呈現方式,不知這條紋式色彩風格是否與義大利國旗條紋的視覺辨識風格有些關聯呢?

Willy VERGINER《Between Idyllic and Reality》,Lindenwood、acryl color、iron,160 x 160 x 120cm,2014 也趣藝廊 / 圖片來源:藝博會臉書

陸揚,中國美術學院新媒體系碩士畢業,2000年代初在杭州的中國美術學院學習時,她繪製了一系列有關精神控制的作品。許多作品被認為過於敏感,甚至近乎不合倫理,因而仍未實際做出來。但在日本福岡亞洲美術館的幫助下,陸揚得到了曾用於醫學解剖的死青蛙,來創作一個作品。其結果就是2011年的《復活!殭屍青蛙水下芭蕾!》。這段六分鐘視頻中,青蛙被連接到電極上,隨着強烈的電子節拍在水下跳舞。她最新的作品《陸揚妄想曼陀羅》應用了類似於立體定向和深層腦刺激的概念來模擬「妄想」,陸揚在作品中對自己的身體和作品進行了摧毀。

Lu Yang 陸揚《陸揚妄想曼陀羅 Lu Yang Delusional Mandala》single channel video 單頻錄影,2015 北京公社 / 圖片來源:藝博會臉書

李二男,1995年畢業於韓國朝鮮大學美術學院雕塑藝術系,2005年取得韓國延世大學視覺傳達研究所碩士學位。李二男的後現代影像作品,如夢似幻,虛實交疊,是時空的轉移,更是藝術家顛覆過去與未來、東方與西方,呈現的異想世界。恰如今月曾經照古人,現代的霓虹閃爍在古代山水裡,一霎即千年。最古老的往往最現代。大學主修雕塑的李二男,十幾年前即熱衷於動畫片製作。他採用了名為“clay animation”的製作技術,即用粘土製作各種形象,然後用攝影機連續拍攝。近幾年來,李二男將自己的創作完全轉向了影像製作,評論家將他的作品稱為“移動繪畫”。

李二男 Leenam LEE 《重生之光 – 珍珠之母》Reborn Light – Mother of Pearl LED TV(2ea) Video(7min 40sec) 130 x 77 x 13 cm,2016 LEEHWAIK畫廊 / 圖片來源:藝博會臉書

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